Notes pour réinventer l’orchestre américain

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Pensez simplement à quel point il sera bouleversant de voir le New York Philharmonic sur scène au Lincoln Center cet automne – quand, nous l’espérons, il reviendra après une absence de 18 mois. La pandémie de coronavirus nous a appris à ne plus jamais prendre la musique live pour acquis.

Pourtant, un simple retour à la normale dans le monde de la musique ne suffira pas. Les fermetures de salles de concert et d’opéra ont révélé la fragilité du système de soutien économique à la musique classique. Les artistes indépendants ont perdu la plupart de leur travail. Les principales institutions ont été aux prises non seulement avec la survie, mais aussi avec des questions de mission, de pertinence et d’inclusion, des problèmes qui sont devenus encore plus aigus lorsque des manifestations nationales pour la justice raciale ont éclaté l’année dernière.

Ces questions alimentent les discussions et la planification dans toutes les institutions américaines des arts du spectacle. Mais j’ai surtout pensé à nos orchestres, qui, malgré tous leurs efforts admirables mais éparpillés d’innovation et de rayonnement, restent réticents à apporter des changements fondamentaux dans la présentation de leurs saisons. Nous sommes en 2021 et nous débattons toujours de la manière de réinventer l’orchestre pour le 21e siècle.

«Pour la saison prochaine, nous devons nous remettre en question», a déclaré Deborah Borda, directrice générale de l’Orchestre philharmonique, dans une interview. «Comment avons-nous changé, à la lumière du voyage interne et externe de notre nation?»

Le moment est venu pour les orchestres de voir grand et de prendre des risques – oui, même si de nombreux joueurs ont accepté des réductions de salaire et que les administrateurs font face à des déficits écrasants. Conceptuellement, ce n’est pas si difficile. Approche de la programmation avec de nouvelles idées passionnantes; favoriser la musique par des compositeurs vivants; trouver des moyens plus souples d’organiser une saison; éduquer le public à la fois dans les salles et dans les communautés – tous ont été lancés pendant des décennies.

Cela commence par une programmation créative, qui n’est pas seulement importante; c’est tout. J’ai longtemps soutenu que les orchestres américains réfléchissent trop à la façon dont ils jouent, et pas assez à ce qu’ils jouent et pourquoi ils le jouent. La programmation d’une saison d’orchestre est généralement présentée comme un exercice d’équilibre entre le maintien du répertoire standard tout en favorisant la musique contemporaine. Mais cela donne l’impression que l’ancienne et la nouvelle musique existent dans des royaumes séparés. La musique est la musique; l’ancienne et la nouvelle musique devraient faire partie d’une approche intégrée.

Les orchestres américains les plus dynamiques l’ont compris depuis des années. L’Orchestre symphonique de San Francisco, sous la direction du chef d’orchestre Michael Tilson Thomas, a amené des «non-conformistes américains» renégats comme Ives, Cage, Ruggles et Harrison dans le sang de l’orchestre. L’Orchestre philharmonique de Los Angeles est plus ou moins le seul à donner à l’œuvre contemporaine une plate-forme égale. J’ai été réconforté par le coup de grâce que l’Orchestre philharmonique de New York a montré en prenant un laissez-passer pour une célébration massive du 250e anniversaire de Beethoven l’année dernière. Au lieu de cela, l’orchestre a choisi de se concentrer sur une autre étape importante, le centenaire du 19e amendement, en inaugurant le projet 19, une entreprise pluriannuelle de commande d’œuvres à 19 compositrices.

Et après les manifestations et les manifestations de Black Lives Matter de l’année dernière contre la brutalité policière, les institutions artistiques américaines se sont senties obligées de regarder à l’intérieur, y compris – en particulier – le domaine dominé par les blancs de la musique classique. Il y avait des appels pour que la forme d’art s’attaque immédiatement à un héritage de négligence. Les orchestres ont la responsabilité de commander des compositeurs de couleur, de programmer des œuvres de ces compositeurs des temps anciens et d’embaucher des chefs d’orchestre et des solistes noirs et latinos – et leur donner les moyens de laisser leur empreinte sur la programmation.

Mais peut-être que le plus grand obstacle à une programmation créative et à une nouvelle réflexion – y compris une représentation raciale plus large – reste le calendrier des séries d’abonnements qui prévaut dans tous les grands orchestres américains et les enferme dans des émissions standard, semaine après semaine, chargées de classiques et saupoudrées. , au mieux, avec des choix inhabituels ou nouveaux. Cette structure s’est poursuivie même si le nombre d’abonnés a chuté. La plupart des gens, et pas seulement les plus jeunes, se sont habitués à une plus grande flexibilité dans la planification de leurs divertissements. L’idée de vous engager à une soirée régulièrement programmée dans votre salle de concert locale semble étrange et contraignante.

En 2014, Alan Gilbert, alors directeur musical de l’Orchestre philharmonique, a tenté de mettre un tour d’espoir sur ce quart de travail. «Cela oblige notre planification à être inspirée et convaincante», a-t-il déclaré. «Nous devons vendre des événements individuels. C’est difficile, mais il y a une grande partie de cela. Il a déploré la rigidité avec laquelle les orchestres doivent faire face lorsque les programmes d’abonnement sont programmés des années à l’avance.

Il a ajouté: «Je ne peux pas vous dire le nombre de fois où nous nous sommes arrachés les cheveux pendant les réunions, en disant: ‘Si seulement nous pouvions être agiles, changer un programme en un rien de temps.’ ‘

Pourquoi les orchestres ne peuvent-ils pas être agiles et répondre à une inspiration soudaine ou à des événements actuels? Si le Pittsburgh Symphony a un succès avec une première, pourquoi le public d’autres villes doit-il attendre des années pour l’entendre? Lorsqu’un compositeur majeur meurt, imaginez si un orchestre a pu organiser, à bref délai, un mini festival de ses partitions. Si des salles avaient été ouvertes pendant les manifestations Black Lives Matter, j’aimerais croire que certains programmes programmés auraient pu être modifiés pour présenter des pièces récentes et longtemps négligées de compositeurs noirs.

Le modèle d’abonnement n’a pas besoin d’être complètement supprimé. Des portions d’une saison pourraient être planifiées à l’avance et vendues en série. Imaginez un aperçu des six symphonies Tchaïkovski sur six programmes consécutifs, chacun associé à une partition russe du milieu du XXe siècle, ou une nouvelle pièce composée en réponse à Tchaïkovski. Mais cette série, dans mon esprit, serait proposée non pas sur six semaines, mais sur une semaine ou deux, en style festival.

La plupart des programmes d’abonnement sont répétés trois, parfois quatre fois. Mais certains programmes pourraient en fait fonctionner plus longtemps, sans la tyrannie de la planification des abonnements. Je parie que Riccardo Muti dirigeant l’Orchestre symphonique de Chicago dans un concert d’un opéra de Verdi pourrait vendre 10 représentations. D’autre part, le Boston Symphony pourrait offrir une célébration concentrée des compositeurs de Boston, avec 10 programmes sur deux semaines, chacun exécuté une seule fois, jumelant des compositeurs qui occupaient autrefois une place importante dans la ville – Leon Kirchner, Gunther Schuller, Donald Martino – avec divers compositeurs émergents de la région.

Lorsqu’on imagine comment les orchestres pourraient prospérer à l’avenir, les espaces dans lesquels ils se produisent sont essentiels. Le Los Angeles Philharmonic, «l’orchestre le plus important d’Amérique – période», comme mon collègue Zachary Woolfe a fait valoir de manière convaincante en 2017, aurait sans doute moins réussi à lier sa mission à l’éducation et à la justice sociale sans avoir le Walt Disney Concert Hall, un chef-d’œuvre conçu par Frank Gehry, comme sa maison. En plus de son auditorium brillant et glorieux, Disney Hall a toutes sortes d’espaces plus petits, même des coins et recoins dans les halls sinueux, où les visiteurs peuvent être engagés par des discussions et des performances intimes.

Borda, qui a supervisé la création du Disney Hall, travaille actuellement sur une rénovation majeure du David Geffen Hall de l’Orchestre philharmonique de New York. Lorsque la pandémie a mis fin aux concerts, il est apparu possible que le projet Geffen soit suspendu. Mais reconnaissant implicitement les défis de mener à bien la rénovation, Borda a doublé, céder certaines opérations quotidiennes à ses collègues afin qu’elle puisse se concentrer sur la direction de l’effort Geffen.

Les objectifs plus larges du projet sont plus importants que jamais, insiste-t-elle. «Comment pouvons-nous amplifier, employer et concevoir un espace pour qu’il soit vraiment une porte d’entrée, un port accueillant pour la communauté?» dit-elle dans la récente interview. Le nouveau Geffen Hall aura, a-t-elle ajouté, une « nouvelle flexibilité pour nous permettre de produire des événements dont nous n’avons pas encore rêvé. »

Il y aura un centre d’accueil et des halls élargis; un Sidewalk Studio où les passants pourront voir des spectacles et des activités se déroulant. Mieux encore, le hall avant agrandi aura un mur dédié aux représentations de projection. Et il sera possible d’ouvrir trois côtés du lobby sur la place pour permettre aux gens d’entrer et de sortir.

J’irais plus loin. Pourquoi ne pas diffuser les répétitions de l’orchestre pendant la journée pour montrer au public en quoi consiste le travail des musiciens? Le lobby pourrait également être un espace où des musiciens de l’orchestre, des compositeurs et des chefs d’orchestre présenteront de courtes performances et des conférences pendant la journée.

Borda a souligné que toute flexibilité de programmation accrue n’aura pas d’importance si le Philharmonique ne transforme pas sa salle en un espace acoustiquement vibrant, intime et attrayant. Donner des concerts, après tout, c’est ce que font les orchestres.

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