Chick Corea: écoutez 12 performances essentielles

Vues: 19
0 0
Temps de lecture:8 Minute, 2 Second

Chick Corea, le claviériste et chef d’orchestre pionnier qui décédé mardi à 79 ans, sera à jamais considéré comme un architecte crucial de la fusion jazz-rock.

C’est un hommage en une ligne approprié. Que ce soit à lui seul, à la tête du collectif Return to Forever ou en accompagnant des géants comme Miles Davis (sur des albums phares dont «In a Silent Way» et «Bitches Brew»), Corea a contribué à enrichir le lexique du jazz – fusionnant son langage harmonique avec la lourdeur (et amplification) du rock et du funk. Mais aucune description, même si large, ne peut englober une vision aussi illimitée.

« Après tout, les styles formels ne sont qu’une réflexion après coup – une conséquence de l’impulsion créative », a déclaré Corea Le New York Times en 1983. «Personne ne s’assied et ne décide d’écrire spécifiquement dans un style prédéterminé. Un style n’est pas tant quelque chose que vous apprenez que quelque chose que vous synthétisez. Les musiciens ne se soucient pas de savoir si une composition donnée est du jazz, de la pop ou de la musique classique. Tout ce qui leur importe, c’est de savoir si c’est de la bonne musique – si elle est stimulante et excitante.

Pendant plus de cinq décennies, Corea a modifié son son pour suivre cette simple maxime – chasser les caprices du bebop au free jazz en passant par la fusion et le classique contemporain. Il a enregistré près de 90 albums en tant que chef d’orchestre ou co-leader. Et il a toujours donné la priorité à la mélodie et à la musicalité par rapport à la mise en scène à calories vides (bien que peu d’entre eux puissent rivaliser avec ses compétences brutes sur le Fender Rhodes).

Voici 12 de ses studios d’élite et performances live.

Corea et Joe Zawinul forment un mur de Rhodes sur cette coupe slinky et funky de «Bitches Brew» de Miles Davis, rythmée par les guitares à pic à glace de John McLaughlin et la trompette soupirante de Davis. La section rythmique est tellement dense qu’il est difficile de tout savourer: deux basses électriques (Dave Holland et Harvey Brooks), deux batteries (Don Alias ​​et Jack DeJohnette) et les congas de Juma Santos. Heureusement que ça dure 14 minutes. Les claviéristes passent des points d’interrogation aux points d’exclamation – un moment poussant contre le groove, le suivant en solo dans des éclats de bruit colorés. «Faites-vous confiance», Corea a dit en 2020, était la philosophie de Davis. «Quand il dit:« Jouez ce que vous n’entendez pas », il veut dire, faites confiance à votre imagination. Faites-vous confiance pour dire: ‘Je ne sais pas ce que je vais faire ensuite, mais je vais le faire simplement parce que c’est amusant. Parce que j’aime ça.' »

Corea éclabousse le piano électrique à travers ce monstre de neuf minutes du guitariste Larry Coryell «Spaces», un pilier de la fusion précoce. L’arrangement semble osciller entre structure et improvisation, groove droit et liberté cosmique. La programmation est la définition d’un super-groupe: Corea et Coryell, plus John McLaughlin à la guitare, Miroslav Vitouš (plus tard à Weather Report) à la contrebasse et Billy Cobham à la batterie.

L’air de fusion rare avec une durée de vie comme norme de jazz, «Spain» reste la composition signature de Corea – couverte par des artistes aussi différents que Stevie Wonder et Béla Fleck. L’original, de «Light as a Feather» de Return to Forever, est intouchable: pendant près de 10 minutes, les mains du claviériste pirouette joyeusement à travers le Rhodes, ses mélodies douces assorties par le coo tranquille de Flora Pourim et la flûte flottante de Joe Farrell. Le refrain, avec ses phrases de clavier coupées et ses claquements de mains enthousiastes, se classe aux côtés du thème principal «Birdland» de Weather Report comme l’un des moments les plus accrocheurs de l’histoire de la fusion.

À ses débuts, Return to Forever rivalisait déjà avec l’intensité de la plupart des groupes de rock des années 70. Mais cela sonnait positivement sur son troisième album, ajoutant deux nouvelles recrues (le batteur puissant Lenny White et le guitariste Bill Connors) et laissant Stanley Clarke passer à la basse électrique. Le groupe a montré toute sa gamme dynamique sur ces deux parties de «Hymn of the Seventh Galaxy» de Return to Forever, qui s’ouvre sur le thème rêveur de Rhodes de Corea avant de se transformer en funk étroitement serré. La guitare meurtrière de Connors et la basse déformée de Clarke dérivent dans le territoire du psych-rock – mais même lorsque le claviériste se repose un peu, ses accords réguliers restent le cœur de l’ensemble.

Le piano acoustique de Corea se glisse dans le somptueux territoire New Age sur la première moitié de ces morceaux de «Journey to Love» de Stanley Clarke, échangeant la fanfare avec la basse à archet de Clarke et la guitare acoustique de John McLaughlin. Le groupe cloue un groove latin intense sur la seconde moitié, avec McLaughlin et Corea allumant des feux d’artifice. Dans les notes de la doublure, Clarke a dédié la pièce en deux parties à John Coltrane – et elle est à la hauteur de la facturation.

La programmation définitive de Return to Forever – Corea, Clarke, White et le guitariste Al Di Meola – s’est brisée après l’album de 1976 «Romantic Warrior». Mais comme le prouve cette odyssée funky, ils sont sortis à un point culminant. White est crédité comme compositeur ici, et son groove de tambour agité maintient certainement le moteur en marche. Mais «Sorceress» trouve aussi Corea à son niveau de clavier le plus polyvalent – le tissage de nappes atmosphériques, de pistes de synthé ondulées et de thèmes latins sur piano acoustique.

Corea a toujours été influencée par la musique latine, expliquant que «cette saveur, je trouve, est principalement dans tout ce que je fais», à Panneau d’affichage en 2019. «Cela fait partie de moi. Je ne sais pas comment le différencier. Mais il n’a jamais plongé plus profondément que sur son 10e album solo, «My Spanish Heart». Le record culmine avec cette suite en quatre parties avec coup de fouet, qui s’étend des sections élégantes à cordes et cuivres aux intermèdes de piano acoustique jusqu’aux plus savoureuses rave-ups jazz-rock de ce côté de «Aja» de Steely Dan.

Composée par Corea pour le premier album solo de son coéquipier Forever Di Meola, «Land of the Midnight Sun», cette mini-épopée fait bon usage de son flash virtuose – les deux joueurs semblent pouvoir s’éloigner de leurs instruments dans le ciel. Mais il y a beaucoup de mélodies gracieuses emballées dans ces cinq minutes et demie. À mi-chemin, Corea se glisse dans une douce composition d’accord tandis que Di Meola monte et descend les gammes. Corea peut même mettre en valeur ses talents de marimba, ajoutant un drame supplémentaire à une floraison culminante.

Corea et Herbie Hancock, deux des claviéristes d’élite de fusion, se sont lancés dans une tournée en duo acoustique en 1978, et le duo, tous deux vétérans des groupes de Miles Davis, s’emboîtent à un degré surprenant sur les deux albums live qui ont émergé de ces dates. Un des points forts est une version de 19 minutes de «Homecoming» de «CoreaHancock», fusionnant habilement leurs instruments en un seul organisme. Ils passent de la beauté à la laideur en un rien de temps – à mi-chemin, la pièce se transforme en une section de grognements gutturaux, de martèlement percussif et de folie préparée au piano.

Comme la plupart des géants de la fusion qui ont survécu jusqu’au milieu des années 80, Corea a embrassé les couleurs et les contours de l’époque, formant son Elektric Band avec le batteur Dave Weckl, le bassiste John Patitucci et les guitaristes alternatifs Scott Henderson et Carlos Rios. La section rythmique s’exécute gratuitement sur ce numéro enduit de néon de «The Chick Corea Elektric Band», défini par ses rythmes torsadés de type Zappa et les synthétiseurs comiquement brillants de Corea.

Corea a étendu «l’Espagne» comme de la tire au fil des décennies, conservant son intérêt en la retravaillant pour divers réglages et configurations de groupes. («Vers 1976, j’ai commencé à me lasser de la chanson», a-t-il dit L’Atlantique en 2011. «J’ai commencé à en jouer des versions vraiment perverses – j’y ferais référence juste une seconde, puis je me lancerais dans une improvisation.») L’une de ses interprétations les plus étonnantes des derniers jours est ce duo acoustique en direct de «Play» avec le chanteur Bobby McFerrin, qui insuffle une nouvelle vie à la pièce avec son fausset divin, ses lignes de basse grondantes et ses percussions corporelles. Malgré toute la technique sublime, la plus grande révélation est d’entendre ces deux géants se verrouiller dans une symétrie parfaite sur le thème principal.

Corea a fait équipe avec le vibraphoniste Gary Burton pour l’album live double disque primé aux Grammy Awards «The New Crystal Silence», construit en grande partie sur des pièces retravaillées du catalogue arrière de Corea. Le duo avait collaboré de temps en temps pendant des décennies, et la musique ici semble tout à fait naturelle et vécue – même zen à part entière, comme sur la version élargie de «Crystal Silence». Capturés dans une fidélité nette au niveau du studio, Corea et Burton échangent des phrases et des motifs de contrepoint, avec le Sydney Symphony Orchestra complétant cette conversation décontractée.

#Chick #Corea #écoutez #performances #essentielles

À propos de l\'auteur de l\'article

Dernières nouvelles

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *