Que diffuser : « Mississippi Mermaid », le thriller hitchcockien de François Truffaut

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C’est une tragédie durable lorsque les grands films sont rejetés à la fois par les critiques et les téléspectateurs au moment de leur sortie. Le jugement de l’histoire est souvent plus précis. François Truffaut a réalisé un thriller hitchcockien sans vergogne romantique et d’un continent à l’autre, « Mississippi Mermaid », en 1969, avec Catherine Deneuve et Jean-Paul Belmondo. Le film, adapté d’un roman de Cornell Woolrich, est l’un des films les plus personnels, passionnés et accomplis de Truffaut, voire une sorte de manifeste de sa vision de la vie, de l’amour et du cinéma. (C’est en streaming sur Amazon Prime.) Si quelqu’un était équipé pour faire un film hitchcockien, c’était Truffaut. Après tout, il avait passé des années à rédiger son livre d’entretiens avec Alfred Hitchcock, sorti en 1966 et devenu un classique de la littérature cinématographique. . C’était précisément la stratégie de Truffaut d’envelopper ses préoccupations les plus profondes dans un paquet de « genre » superficiellement conventionnel. Mais les critiques ne l’ont pas compris. Pour les critiques plus populaires à l’époque, c’était insuffisamment glamour et fastueux; pour les plus artistiques, cela semblait commercial et dérivé. Ce fut aussi un échec commercial.

L’action commence à la Réunion, l’île française à l’est de Madagascar, où Louis Mahé (Belmondo), le jeune héritier réservé et inhibé qui possède et dirige l’usine de cigarettes de sa famille, attend sa fiancée, qu’il a rencontrée grâce à une annonce personnelle. Nommée Julie Roussel (Deneuve), elle arrive par bateau, et ne semble pas être tout ce que ses lettres laissaient présager. Mais, pour Louis, c’est aussi plus : loin d’offrir une simple rencontre des esprits, elle enflamme aussi son désir sexuel longtemps étouffé. Il écarte tout soupçon découlant des lacunes de son histoire. Il se rend vulnérable à ses ruses, et elle profite pleinement de sa vulnérabilité, le dépouillant et s’enfuyant. Louis engage un détective pour la retrouver et s’envole vers le sud de la France métropolitaine pour retrouver sa tranquillité, jusqu’à ce que Julie réapparaisse.

A l’image des films d’Hitchcock, « ​​Mississippi Mermaid » est une contemplation minutieuse des lieux : la chaleur et la lumière réunionnaises sont virtuellement des personnages (et Truffaut se complaît dans l’incongruité, pour un Parisien de naissance comme lui, de fêter Noël sous un climat tropical). Il tisse l’histoire coloniale de l’île dans l’action et prend une note dramatique de la diversité ethnique de l’île, donnant à ses caractères de couleur et de voix proéminence tout en indiquant – dans une image bouleversante de travailleurs dans un champ de tabac – son propre sentiment de choc face à sa stratification. . Louis est un patron cloîtré, enfermé dans son éducation de privilège et de tradition, aveugle aux autres et à lui-même. L’un des indices de son lien avec Truffaut (qui, sans être du tout privilégié dans sa jeunesse, était lui-même devenu un jeune patron prospère) est la place des images dans l’histoire : Louis célèbre sa passion amoureuse en publiant une photo de Julie sur ses paquets de cigarettes, qui passent dans les machines de l’usine comme une bande de film à travers un projecteur. (En outre, le bras droit de Louis est joué par Marcel Berbert, le directeur de production réel de Truffaut.) Pas moins que Hitchcock, Truffaut équilibre le mystère et la tension – et l’artifice – de son drame avec des touches symboliques perçantes, et ces symboles courent tout au long du film, à la fois en clins d’œil et en allusions, dans le poids intense placé sur de minuscules objets physiques et de fins dialogues (par exemple, les utilisations du formel « vous » et le familier « toi« ), dans les références à d’autres films et dans les courants sous-jacents silencieux constants qui animent l’action.

Truffaut déploie une virtuosité de plans longs chorégraphiés, qui culminent dans une grande séquence, au centre du film, aussi exquise que suspensive, dans laquelle le couple séparé se retrouve. Pourtant, le cadre narratif nettement défini, l’élaboration esthétique de la narration soigneusement calibrée, n’est pas une simple concession commerciale ou une tromperie professionnelle. Au contraire, il sert le but pratique de fournir un lien vers quelque chose qui compte tout autant pour Truffaut : la trame de fond. Là où la lignée de Louis, traçable à travers les siècles, l’accable de formalités et de contraintes sociales, l’histoire de Julie rejoint l’obsession de Truffaut tout au long de sa carrière (à commencer par « Les 400 coups ») avec l’enfant sauvage négligé et maltraité, dont la vie de tromperie lutte désespérée pour un petit coup de pied sur la stabilité. L’élégance inventive du style de Truffaut tremble avec les ruses labyrinthiques derrière les apparences, bouillonne de passion sous les surfaces élégantes. Deneuve, avec une grâce tendue qui ne trahit jamais la tension de le maintenir, incarne les manières brillantes et le style personnel élevé de Julie dans des touches rappelant le rôle de Tippi Hedren dans «Marnie» de Hitchcock, encore une autre histoire d’une prédatrice qui était une enfant maltraitée . (Truffaut revisiterait le thème de la vengeance éventuelle d’une fille abusée dans l’un de ses films les plus rares et les plus fous, « Une fille magnifique comme moi,  » de 1972 – comme une comédie en boucle, avec des références à  » Vertigo. « )

La vision critique de Truffaut d’une société cruelle qui néglige et abuse des enfants sous couvert de normes de discipline, d’éducation et d’ordre n’est pas seulement une cause de changement pratique: à son avis, elle est hantée par des pulsions irrationnelles qui ne peuvent être ni contrôlées ni réformées. Truffaut a raconté l’histoire de Louis et Julie en réponse expresse au film d’un ami avec qui il ferait bientôt une pause: Pierrot le Fou de Jean-Luc Godard dans lequel Belmondo incarne un homme d’affaires guindé qui s’enfuit avec une jeune femme (Anna Karina) dans une idylle romantique qui tourne à la violence. Les allusions sont claires partout, dans les citations visuelles et les références textuelles (y compris une visite dans une salle de cinéma pour voir « Johnny Guitar »). Le film de Truffaut tourne aussi à la violence ; il pousse dans le sens d’un Liebestod, comme le film de Godard. Mais Truffaut s’appuie sur un cadre psychologique plus conventionnel pour remplir les dimensions personnelles et sociales de ses personnages – et pour développer une idée de l’amour à la fois perverse et rédemptrice. L’intrigue sinueuse mais étroitement liée de « Mississippi Mermaid » suggère finalement des conflits irréconciliables entre l’individu et la société. (Il le fait, en fin de compte, avec une référence surprenante à «Grande Illusion», de Jean Renoir, à qui le film est dédié.) L’idéal romantique que Truffaut dramatise ici est follement injuste; sa notion de guérison personnelle et de rédemption de vies brisées a des implications terrifiantes. Surtout, Truffaut suggère les idées sous-jacentes aux tensions érotiques et aux retournements dramatiques d’Hitchcock : elles mettent en lumière un sens tragique de la vie et ses contradictions insupportables, supportables.

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