«Minari», commenté: Une histoire étrangement impersonnelle d’un garçon coréen-américain de l’Arkansas

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Parfois, la technique est si voyante qu’elle submerge un film, mais il y a aussi la technique qui domine en affichant sa modestie. C’est le genre de spectacle présenté dans «Minari», le drame quasi-autobiographique de Lee Isaac Chung sur le fait de grandir, en tant qu’enfant d’immigrants coréens, dans l’Arkansas rural, dans les années quatre-vingt. (Le film «s’ouvre» en ligne pendant deux semaines au Film Forum et au cinéma virtuel d’A24, à partir de vendredi.) En conséquence, ce qui est original, particulier et personnel dans l’histoire est réduit aux conventions dramatiques familières utilisées pour le raconter.

En tant que jeune garçon, David Yi (Alan Kim) quitte la Californie pour la campagne de l’Arkansas avec sa famille – sa sœur aînée Anne (Noel Kate Cho) et leurs parents, Monica (Yeri Han) et Jacob (Steven Yeun). En Arkansas, ils vivent dans une maison mobile calée sur des blocs au milieu d’une vaste étendue de terrain vague, que Jacob envisage de transformer en une ferme qui les soutiendra. Mais le nouvel environnement déclenche une confluence de conflits familiaux – certains qui surviennent, et d’autres de longue date qui sont rapidement exacerbés. Pour commencer, Jacob ne semble pas avoir clairement indiqué à Monica qu’ils vivraient sur une propriété non développée et isolée, et dans une maison mobile.

Monica et Jacob ont longtemps été en désaccord sur l’argent – ils sont aux États-Unis depuis une décennie mais n’ont pas grand-chose à montrer. (Ceci, lui rappelle-t-il, est dû au fait que, selon la tradition coréenne, lui, en tant que fils aîné de ses parents, a dû subvenir aux besoins de sa famille à la maison.) En Arkansas, Jacob et Monica travaillent comme sexeurs de poulet dans une écloserie. Jacob l’a fait en Californie, et il est considéré comme exceptionnellement bon dans ce domaine – jusqu’à ce qu’il parte pour démarrer la ferme. Jacob est depuis longtemps ennuyé et frustré par son travail répétitif et monotone, et son rêve de la ferme est autant une question d’indépendance et d’énergie créatrice que de profit. David est né avec un souffle cardiaque et nécessite une surveillance fréquente (il n’a même pas le droit de courir) et, en cas d’urgence, la grande distance de la ferme de l’hôpital le plus proche inquiète Monica. Dans leur nouvelle maison, elle est en colère, frustrée et désespérément seule; bien qu’il y ait une poignée d’immigrants coréens dans la région, elle se connecte à peine avec eux. Alors pour donner de la compagnie à Monica et pour aider à la garde des enfants, la famille amène sa mère veuve, Soonja (Yuh-jung Youn), pour vivre avec eux.

L’arrivée de Soonja transforme la vie de David. Elle est sage et aimante, bourru et tendre, profane, impulsive et farouchement dévouée à son petit-fils brillant et accablé. Pendant ce temps, les efforts de Jacob pour démarrer la ferme sont grandement aidés par un voisin nommé Paul (Will Patton), un mystique chrétien effusif et maladroit qui, lorsque l’esprit le touche, parle en langues. Ermite grégaire, Paul est une sorte de risée locale, mais c’est un fermier averti; il se lie rapidement d’amitié avec Jacob et offre son expérience et son travail. (On ne sait jamais s’il a payé ou s’il ne fait que donner un coup de main.) L’enthousiasme de Jacob pour la ferme le rend excessivement optimiste quant à son entreprise. En quête d’un endroit pour creuser un puits, il répudie les services d’un radiesthésiste – il se vante que «les Coréens utilisent leur tête» – ne risquerait de perdre toute sa récolte que lorsque le puits qu’il creuse s’assèche. Cette arrogance déclenche une chaîne de malheurs qui commencent modestement et finissent par être catastrophiques.

Le film prend note de l’activité agricole, mais seulement d’un œil; il délimite les relations familiales et les liens avec les citadins par touches rapides et pointues. Son esquisse du mariage des parents résonne de confrontations tranquillement douloureuses. Mais la plupart des meilleures choses du film, découlant du sens fin et subtil de l’observation de Chung et de l’ardeur qu’il leur apporte, sont minées par leur présentation. Les anecdotes et les observations du film peuvent être personnelles, mais elles sont filmées avec un manque total de subjectivité – que ce soit du cinéaste ou des personnages. L’histoire est clin d’oeil, avec des références à la guerre de Corée, une fois par un personnage américain puis par un coréen. Sinon, le film est un cadre vierge qui pré-organise l’histoire avec les informations essentielles nécessaires à l’intrigue et les traits de caractère significatifs qui l’expliquent. Le film (et, par implication, l’observateur mémoriel, David) ne rassemble jamais une gamme de perceptions suffisamment riche et variée pour suggérer une expérience vécue en profondeur ou des idiosyncrasies de caractère. C’est un style familier, un réalisme académique de sous-estimation calculée qui maintient sa retenue même au milieu d’événements terrifiants et de graves dangers.

Le drame étroit et purement illustratif correspond, malheureusement, à une cinématographie impersonnelle qui ne suggère ni texture ni intimité. Les images représentent ce qui est dans le script, pas la vie des personnages; entre les scènes, ni les personnages ni l’histoire ne semblent exister. Quant au sens du lieu, il est approximatif: les lieux jouent comme des décors, sans sens de l’espace ni sens du toucher; le paysage se réduit à quelques clichés illustratifs. Les acteurs sont à la fois charismatiques et talentueux (Yeun, bien sûr, est le plus connu du casting, et Youn est un vétéran de nombreux films de Hong Sang-soo et de « The Housemaid » d’Im Sang-soo), mais voici leurs performances sont contenus; ils font ressortir la logique de l’histoire sans permettre à l’émotion de s’étendre de façon idiosyncrasique au-delà. Malgré le charme et la nuance de la performance de Youn, son rôle est tiré d’un jeu de clichés pas sans rappeler ceux du personnage de Glenn Close dans «Hillbilly Elegy. » Le résultat est de rendre les expériences particulières générales, de rendre les expériences étranges plausibles, les exceptionnelles moyennes.

Pour un film centré sur l’expérience d’un enfant (David est bien plus présent dans l’action qu’Anne), «Minari» néglige étrangement la curiosité et l’émerveillement, la fantaisie et la terreur. Les moments les plus forts du film sont les rares qui évoquent les ombres anxieuses de la vue de David. Un jour, il surprend sa mère expliquer à sa grand-mère qu’il est en danger de mort. Cette nuit-là, avant d’aller dormir comme d’habitude, dans le lit à côté de sa grand-mère, il lui demande s’il va mourir, et elle rejette les prières et les rites agités avec lesquels sa mère l’a élevé comme insensé. (Quand elle lui dit d’arrêter de s’inquiéter pour le paradis, il demande: «Mais que faire si je vais en enfer?») Ce sont les scènes qui se rapprochent le plus de suggérer le mélange de gravité et d’innocence, de peur et de peur de son expression , cela rend la vie intérieure de l’enfant profonde, étrange et singulière. Ailleurs, les souvenirs et extrapolations foisonnants de Chung sont assourdis par la conventionalité réductrice de leur représentation. Le style de «Minari» est un exemple décourageant de l’attraction gravitationnelle que de telles conventions exercent sur le cinéma en général.

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