Le maelström visuel de Brett Goodroad

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Je ne voulais regarder aucun tableau. J’étais à San Francisco et je ne voulais rien ressentir d’autre que cet air, cet air extraordinaire, qui prend parfois la forme d’un brouillard. Comme Frances FitzGerald l’a fait remarquer dans ce magazine, je voulais marcher par un temps qui peut sembler pas du tout. J’étais dans ma ville préférée du nord de la Californie pour le travail, ce qui me retenait dans ma chambre d’hôtel à des heures étranges ; chaque fois que j’en avais l’occasion, je m’échappais dehors, m’émerveillant du soleil entrant et sortant des nuages, des rues sous-peuplées. J’ai noté que certains des protocoles que nous avions observés dans les premiers jours de New York COVID-19 allégements étaient toujours en vigueur à San Francisco. L’une de mes librairies préférées, City Lights, était ouverte, mais il fallait entrer, masqué, par une porte secondaire, puis se lever et être compté. Pour voir l’artiste Carrie Mae Weemsla curation de Diane Arbusphotographies extraordinaires de, à la Galerie Fraenkel, il fallait téléphoner et prendre rendez-vous.

J’ai apprécié la chance d’être loin de New York; c’était mon premier voyage n’importe où en presque deux ans. C’était certainement éprouvant pour les nerfs. De combien de masques avais-je besoin ? Combien d’essuyage de sièges, de bouteilles d’eau, etc. ? Mais ce fut un soulagement de laisser derrière moi la densité de la culture new-yorkaise. Même pendant les mauvais jours de pandémie, on ne pouvait jamais espérer rattraper toutes les expositions, les événements alternatifs, le théâtre Zoom, etc. Donc, quand je suis monté dans l’avion pour San Francisco, j’avais hâte de ne pas faire l’expérience de beaucoup de produits culturels pendant un certain temps. Mais, après quelques jours là-bas, j’ai contacté Jordan Stein, l’un des conservateurs les plus intéressants du coin, qui, depuis quatre ans, gère une galerie appelée Cushion Works, située au-dessus d’un oreiller et d’un coussin. entreprise de fabrication d’inserts dans le district de Mission. Un espace merveilleusement excentrique avec une ambiance familiale, la galerie est conçue pour l’utilité, plutôt que pour l’élégance de la présentation, et l’une de ses joies est qu’elle n’est pas une vitrine pour un travail qui a été marchandisé. C’était une autre chose que je voulais laisser derrière moi à New York : les discussions sur le marché – quels artistes étaient en hausse, quels artistes étaient en baisse, l’effet que cette course avait sur les ventes.

Je n’ai contacté Jordan pour aucune autre raison que pour prendre un verre avec une personne sympathique avec laquelle je me sentais bien. Après que je lui ai envoyé un texto, il m’a dit que je devais passer à la galerie et voir des peintures d’un artiste au nom merveilleux, Brett Goodroad. Après que Jordan et moi nous sommes un peu rattrapés, il m’a laissé seul avec le travail, et c’était comme entrer dans un nouveau monde. Parce qu’il a été un nouveau monde. Tout comme les yeux sont attirés par les masses continentales vertes et les plans d’eau bleus sur les cartes, j’ai été attiré par l’intérêt de Goodroad pour le monde réel et organique – les cartes de sa propre conscience.

Dans des œuvres telles que « Untitled (Little Blue) », Goodroad crée des formes d’une main ferme, bien sûr, mais ce qui est particulièrement convaincant, c’est la façon dont il construit la surface de la peinture sans la moindre illustration. La toile mesure dix-sept pouces et quart sur treize pouces, et la relative petitesse de la pièce souligne non seulement sa densité, mais la façon dont elle semble sortir du cadre, comme un rêve qui vous accompagne longtemps après votre réveil. (Les petites œuvres condensées de Goodroad sont savoureuses, comme quelque chose que vous voulez goûter pour vous-même, en partie pour vous nourrir et en partie pour devenir une meilleure personne.) Le bleu n’est pas la couleur dominante dans « Sans titre (Little Blue) », en fait ; une série de tons de terre – marrons et verts, avec une petite touche de jaune, comme la lumière du soleil furtivement à travers le bas d’un cadre de porte – constitue la majeure partie du tableau, pesant sur une sorte de bleu Yves Klein, qui coule, s’arrête et puis coule à nouveau, à travers le bas de la peinture. C’était du moins ma première impression. Quand je reculai un peu, il me semblait que le bleu soutenait cette masse continentale brune et verte. Le travail de Goodroad transforme la nature et la peinture en un test de Rorschach.

« Sans titre (Portrait) » 2020, par Brett Goodroad. Huile sur soie sur lin.

Une autre pièce, « Sans titre (Portrait) », de 2020, est une œuvre verticale et, tandis que ces couleurs terreuses réapparaissent – les bruns sont un peu plus rouillés ici – une figuration ou une idée sur la façon de créer une forme qui ressemble à une figure, est le divertissement principal de la pièce. Si vous vous dirigez un peu vers la droite de l’image, vous voyez ce qui peut être ou non un corps debout ou marchant vers quelque chose en dehors du cadre – peut-être le prochain tableau de Goodroad ? Vous voyez une tête et une partie d’un torse de profil, mais vous pourriez tout aussi bien regarder un feuillage ou un arbre contre un champ rempli de nuages ​​et d’obscurité. Ce qui relie cette toile à « Untitled (Little Blue) », outre le beau sens des couleurs de l’artiste, c’est l’énergie. La vitesse des œuvres plus petites s’exprime de manière plus grande et plus lumineuse dans les plus grandes toiles, y compris la superbe « Sans titre (Big Green) », réalisée en 2018-20, dans laquelle les formes se déplacent du bas de la toile vers le haut, comme des anges. montant vers un paradis de verts et de roses verdoyants.

Je suis moins attirée par les toiles où la figuration dresse sa tête familière que par ces peintures qui veulent dévorer les sujets mêmes qui les inspirent. « Printemps » et « Hiver », tous deux réalisés en 2019-2020, sont à la fois bancals et magistraux. La peinture est contrôlée – Goodroad n’a jamais le contrôle – mais il y a quelque chose qui ne peut pas être contrôlé aussi, et c’est la compréhension de l’artiste de la façon dont l’air et la lumière combinés peuvent créer une sorte de maelström visuel, qui fait des ravages sur le sens parce que, lorsque notre moi intérieur rencontre l’atmosphère environnante, nous pouvons ressentir quelque chose comme le délire dans les éléments, au milieu de ces spores d’arbres, cette rue, cette herbe, cette maison, cette automobile.

Nous vivons à une époque où de nombreux artistes utilisent leurs peintures pour épeler quelque chose, qui a généralement à voir avec leur expérience de la différence ou la façon dont ils perçoivent la différence : des pinceaux à travers le pays sont utilisés pour nous dire comment ressentir ou penser, pas comment regarder. En grandissant, j’aimais l’art et je me fichais de savoir qui l’avait fait parce que je ne le faisais pas connaître qui l’a fait. J’étais particulièrement attirée par ces artistes qui trouvaient des métaphores pour exprimer une sensibilité qui ne correspondait pas au monde mais faisait que le monde s’y intégrait. Robert Rauschenberg, Alvin Baltorp, Diane Arbus, parmi beaucoup d’autres peintres et photographes, signifiait beaucoup pour moi car ils représentaient la vie non pas comme une réalité empirique résolue, mais comme une série de réalités qui englobaient tellement de choses, y compris des idées sur la maison, la famille, la nouvelle et l’ancienne Amérique étrange, et ce que cela signifiait de faire le travail qu’ils faisaient. Cela m’a donné des frissons de sentir, en regardant l’exposition de Goodroad, que la chose la plus importante pour lui n’était pas la déclaration qu’une peinture pouvait faire, mais la peinture elle-même, telle qu’il la peignait. Goodroad ne connaîtrait pas le marché s’il le frappait à la tête, et j’espère que ce n’est pas le cas.

« Hiver », 2019-20, par Brett Goodroad. Huile sur cuivre.
« Printemps », 2019-20, par Brett Goodroad. Huile sur cuivre.

Au cours des quatorze dernières années, Goodroad, né à Bozeman, dans le Montana, en 1979, s’est soutenu en tant que camionneur pour Veritable Vegetable, une entreprise de distribution de fruits et légumes appartenant à des femmes à San Francisco. Et, comme la plupart des artistes qui ne vivent pas de leur travail, il pense à son travail tout en gagnant sa vie. Comme il l’a écrit dans un 2017 pièce pour le SFMOMA :

La peinture, comme la route, est une série de files d’attente compositionnelles et émotionnelles mouvantes et changeantes. Les heures solitaires respirent l’étrangeté. On se demande qui comprendra et quel est le sens, comment peut-on savoir ? — une bulle voyageant à sept mille milles par mois, observant l’émotion ; le peintre dessine le cow-boy, le cow-boy travaille le peintre. Chacun travaille une pratique en mouvement. Chacun une forme de solitude qui nourrit l’autre. Les journées en studio commencent leur son creux et épuisé alors que la route et le paysage engendrent les reflets solitaires libres de la romance, les costumes de mes poètes, l’aventure de la vitesse et du «côté gras vers le bas».

Aucun artiste ne cesse d’être étudiant, et les meilleurs sont humbles. Ils reconnaissent la grande richesse de ce qu’ils prennent d’autres créateurs afin de soutenir ce qu’ils sont – faire face à cette toile vierge et la remplir de leur esprit. Bien qu’il y ait des influences Old Master dans le travail de Goodroad, il ne lutte pas contre Turner, disons, ou Reubens, ou n’importe lequel de ces types ; ils le font se sentir moins seul. Goodroad est réchauffé par l’histoire. Ce n’est pas tant un démantèlement de blancs morts qu’il est en conversation avec eux. Ce qui l’intéresse, c’est ce que l’on fait du passé dans le présent, et comment continuer à partir de là.


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