Échos du traumatisme en deux jeux

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«En y réfléchissant», dit une voix désincarnée à l’ouverture de «Zoetrope» – une nouvelle pièce de théâtre de la compagnie de théâtre Exquisite Corpse, écrite par Leah Barker, Emily Krause et Elinor T Vanderburg et mise en scène par Porcia Lewis et Tess Howsam – « J’ai vraiment merdé de vivre à travers l’histoire. Et bien, n’avons-nous pas tous? Le bruit des nouvelles vient s’écraser dans nos maisons, ajoutant la nuance étrange et souvent indésirable de symbolisme à nos drames domestiques les plus privés. Une histoire d’amour devient aussi une histoire de virologie. Les conflits interpersonnels ont lieu dans un contexte de protestation, de soulèvement ou de guerre. Le théâtre, comme la vie, est toujours en transit entre l’individu et la société dans laquelle elle vit. En ces jours chargés d’histoire, la forme d’art, déjà chargée d’un double devoir, semble travailler quatre fois plus longtemps et montrer la sueur.

«Zoetrope» parle de deux amants, Angel (Vanessa Lynah) et Bae (Jules Forsberg-Lary), tous deux mentionnés dans le script avec les pronoms «ils» et «eux». (Pour la moitié des productions, Starr Kirkland et Leanna Gardella jouent Angel et Bae.) C’est au milieu de la pandémie, et le couple est enfermé dans leur appartement exigu, dans lequel il semble parfois impossible de s’étirer sans heurter un mur ou gratter un nerf brut. La relation est amoureuse – d’où la récurrence touchante du surnom de Bae – mais aussi déchirée par la différence. Angel est noir et Bae est blanc. Angel parle à peine à leurs parents. La mère du professeur de Bae est leur héros; Bae agace Angel en notant, encore et encore, que leur mère est «la personne la plus intelligente que je connaisse», et l’appelle apparemment constamment.

Angel et Bae parlent en millénaires bien éduqués, qualifiant leurs phrases d’un pouce au-delà du sens utile, se parlant avec éloquence: une paire de fusées éclairantes dans la nuit, sans réponse. Dans plusieurs monologues intérieurs – souvent marqués par des stroboscopes lumineux qui offrent un répit à la privation sensorielle relative du motif noir et blanc du décor – le langage des amoureux se détourne du bavardage quotidien. Les soliloques sont abstraits, poétiques et imprégnés de désir et de peur – plus de chansons que de tentatives de parler. Après que Bae ait quitté l’appartement au début du verrouillage, Angel dit:

Insulaire
Isolé
À l’intérieur
Initié
Terrifié
Fatigué, essayé
Et essayé à nouveau
Déterminé que ce ne sera pas ma tombe
Qui est le phénix quand elle est dans l’utérus

Il y a une corniness dans des moments comme celui-ci, et dans les moments où la pièce retrace des traumatismes trop familiers et trop proches de nous à temps pour prendre un envol symbolique: une danse comique impliquant la désinfection de l’épicerie et l’incertitude sur l’hygiène des masques m’a laissé grincer des dents, mais pas nécessairement plus clair sur la vie intérieure d’Angel et Bae.

La véritable intrigue de «Zoetrope» réside dans les spécificités de sa production. L’appartement d’Angel et Bae – une pièce faisant office de tout le diorama dysfonctionnel d’une maison – se trouve dans une petite caravane, dans un terrain vide près de Fort Greene Park, à Brooklyn. Une poignée de spectateurs s’assoient aux fenêtres autour de la caravane, jettent un rideau sombre au-dessus de leurs têtes et regardent à l’intérieur. La scénographie fait écho consciemment à l’effet d’un musée d’histoire naturelle; nous regardons nos deux héros à travers une vitre, les entendant – à travers une paire d’écouteurs fragiles – d’une manière qui semble presque accidentelle. Les objets de leur appartement sont étiquetés en grosses lettres caricaturales. La configuration produit une métaphore soignée des problèmes de la vie privée à une époque tumultueuse – il est parfois difficile d’entendre le dialogue sur les klaxons derrière vous, dans la rue.

L’acteur, cinéaste, romancier et dramaturge Bill Gunn, décédé en 1989, a vécu sa vie artistique en opposition constante à une compréhension facile. Dans des films comme ses débuts en tant que réalisateur, «Stop !,» et son chef-d’œuvre, la romance de vampire psycho-thriller «Ganja & Hess» (1973), il s’est éloigné des représentations en vogue du «réalisme» noir cliché et prévisible se penchait plutôt vers la description d’une bohème noire très intellectuelle et branchée. Ses personnages étaient les précurseurs de la classe créative noire qui s’installerait dans des avant-postes urbains cool comme Fort Greene dans les années 90, juste avant que les loyers ne deviennent trop élevés pour accueillir de jeunes artistes à la recherche de communauté. La meilleure approximation de ce milieu par Gunn est probablement venue en tant qu’acteur: dans le film indépendant «Losing Ground» (1982), de Kathleen Collins, il incarne un peintre tumultueux du nom de Victor, qui, au début du film, se targue sardoniquement comme un «authentique Succès noir. » Vous pouvez dire qu’il sait à quel point ces trois mots sont fragiles.

Pour le Hollywood des années soixante-dix et quatre-vingt, les vainqueurs du monde étaient des types méconnaissables – et invendables. Dans «Strass Sharecropping», le roman de Gunn sur son expérience hollywoodienne, son alter ego, Sam Dodd, se plaint: «J’ai écrit ce que je ressentais, qui manquait toujours des panneaux de signalisation qui conduisent l’homme moyen au ghetto. Les critiques ont écrit «M. Dodd n’a pas la qualité de son peuple. »Vraiment, cependant, Gunn était simplement plus intéressé par la langue, et le secret déchirant de la poésie, que de raconter une histoire lamentable qu’il avait déjà entendue.

Gunn est décédé à l’âge de 59 ans, un jour avant la première de sa pièce «La Cité Interdite», au Théâtre public, qui continue d’être l’exécuteur testamentaire de son domaine théâtral. «The Forbidden City» a été relancé dans une production audio lyrique et passionnée du Lincoln Center Theatre, dirigée par Seret Scott, co-vedette de Gunn dans «Losing Ground».

«La Cité Interdite» suit une famille de la classe moyenne à l’été 1936, dans les jours qui ont conduit à une dissolution brutale. Les Hoffenberg sont, pour le dire légèrement, un groupe étrange. Nick Hoffenberg, Sr., est un travailleur sans ruse, qui a choisi de «jouer à l’idiot» pour atténuer les traumatismes à peine passés de sa famille. Son fils, Nick, Jr., est un garçon hyper-imaginatif de seize ans qui aime écrire et rêve d’être un artiste, mais qui, à sa mortification, mouille le lit. La matriarche, Molly Hoffenberg, est l’une des créations les plus incroyables et terrifiantes de Gunn. Elle s’est imposée dans le confort relatif et la respectabilité de la classe moyenne noire, mais elle est toujours violemment déçue par les deux Nicks et par la précarité de sa position. Elle désire ouvertement un homme avec plus d’épine dorsale que son mari et un enfant qui est moins foutu que Junior. Malgré sa résidence dans une atmosphère post-Grande Migration, familière aux amateurs de théâtre du travail d’August Wilson, elle semble coupée de deux pièces d’Eugene O’Neill: c’est une rêveuse futile comme les sacs tristes de «The Iceman Cometh» et une maman d’horreur comme Mary Tyrone de «Long Day’s Journey Into Night». Quand la compagnie vient, elle est très polie, mais elle n’a aucune patience pour la faiblesse, ou pour la poésie, quand ils se présentent dans sa famille.

Dommage pour elle, alors, que Gunn fasse chanter ses personnages, ne fonctionne pas. L’excellente musique de JJJJJerome Ellis et la conception sonore de Frederick Kennedy donnent à la procédure une crainte qui empiète lentement; le paysage sonore est un parfait accompagnement de la langue luxuriante de Gunn, qui menace toujours de se fracturer ou de se briser dans un chant expressionniste. Nick, Jr., parle aux photographies et aux fantômes, marmonnant des morceaux de King James: «Considérez les lis, comment ils poussent. Considérez les lis, comment ils poussent. Lorsqu’une présence spectrale arrive, elle se tient sur le lit du garçon «dans un tapis de gardénias».

Dans ce qui ressemble presque à une blague sur l’expression noire – ses limites et ses extrémités – tout le monde ne cesse de réciter des passages de Paul Laurence Dunbar, le grand poète qui a chevauché les XIXe et XXe siècles, traçant une ligne des promesses contrariées de la Reconstruction vers les pièges incertains. et les tragédies imminentes de l’ère pré-civique dans laquelle vivent les Hoffenberg.

Même Molly, succombant avec lassitude aux vers à un point bas, cite: «La richesse décroissante qui un instant brille, puis vole pour toujours», peut-être en sautant accidentellement l’une des plus belles juxtapositions de Dunbar: «le jade jilt – / La renommée. Elle rejoint le poète dans un soupir dévastateur: «Rêve, ah… rêves.» ♦

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