Critique : « Space Jam 2 », « Roadrunner » et les manipulations mal placées sur les manipulations numériques

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Entre 1950 et 1960, la propriété de la télévision aux États-Unis est passé de neuf pour cent des ménages à quatre-vingt-sept pour cent. Au cours de la même décennie, le nombre de billets vendus au box-office a chuté d’environ un tiers. Hollywood a riposté avec des productions spectaculaires utilisant une technologie alors indisponible pour la télévision – couleur, écran large, images 3D et son stéréo – et s’est moquée du petit écran, de la manière la plus scintillante, dans la comédie de Frank Tashlin de 1957 « Le succès va-t-il gâcher Rock Hunter ?Aujourd’hui, alors que les projections en salles sont à nouveau menacées, cette fois par la montée en puissance du streaming, les moqueries hollywoodiennes sont de retour, sous la forme tout à fait moindre mais plus grandiose de « Space Jam: A New Legacy », qui – dans l’une des ironies drôles de l’industrie – a été produit pour une sortie en salles mais, à la place, a été abandonné sur HBO Max vendredi dernier. (Le film est produit par le studio Warner Bros., qui est sous la même égide d’entreprise WarnerMedia que le service de streaming.)

À l’instar du chef-d’œuvre bouillonnant de Tashlin, la comédie axée sur les effets de Malcolm D. Lee est centrée sur le fossé technologique entre les générations, avec une tournure cruciale. Là où le film précédent joue un publicitaire d’âge moyen contre sa nièce adolescente, qui est un téléspectateur invétéré et inconditionnel, la suite de « Space Jam » est enracinée dans des conflits entre LeBron James (jouant lui-même) et son fils fictif Dom ( joué par Cedric Joe), qui semble avoir environ douze ans et est un créateur de jeux vidéo précoce que LeBron (le personnage) pousse pour réussir au basket-ball. LeBron ne laissera pas Dom participer à une conférence sur les jeux vidéo qui se tiendra le même week-end qu’un tournoi de basket-ball pour lequel il s’était inscrit. En guise de petite consolation, LeBron emmène Dom en voyage au studio Warner Bros. Là, la star de la NBA rencontre des dirigeants (Sarah Silverman et Steven Yeun) qui lui présentent un nouveau projet de divertissement, appelé Warner 3000. L’idée est de scanner LeBron et de le mettre dans des films de toutes sortes, tels que « Batman vs. LeBron », « LeBron of Thrones » et « LeBron et la Chambre des secrets ». Comme le dit la vidéo de l’argumentaire de vente, « les possibilités sont infinies. Vous serez le roi de Warner Brothers. . . et ensemble, nous créerons un divertissement époustouflant pour toujours.

LeBron rejette l’idée (et les dirigeants obséquieux suivent son exemple) mais, à son insu, la caméra de sécurité et les micros de la salle de réunion sont détournés par le méchant du film, Al G. Rhythm (Don Cheadle), qui a inventé la technologie Warner 3000. Se sentant humilié par le rejet, il prépare sa vengeance en utilisant des analyses pour aspirer LeBron et Dom dans son Serververse, qui est habité par toutes les propriétés précédentes de Warner Bros., telles que Looney Tunes. Al G., profitant de la frustration de Dom, le recrute pour diriger une équipe de basket-ball dans un match de rancune à enjeux élevés contre son père et les Looney Tunes. Si l’équipe de LeBron gagne, tout le monde, y compris l’énorme public de gens ordinaires aspirés dans le Serververse par le détournement de l’application de Dom par Al G., peut rentrer chez lui dans la vraie vie. Mais si l’équipe de Dom gagne, tous les captifs numériques resteront éternellement sur le serveur, comme de simples personnages dans un jeu vidéo et, en plus, les Looney Tunes seront supprimés.

Le film lent prend une demi-heure pour amener LeBron et Dom dans le Serververse, et une autre demi-heure pour lancer le jeu. Pendant ce temps, LeBron, rendu dans une animation cel à l’ancienne, côtoie le groupe des Looney Tunes et d’autres personnages animés, tandis qu’Al G., gagnant la confiance de Dom, vole son jeu vidéo et les logiciels associés, et transforme LeBron et les Looney Tunes en versions CGI haute résolution et plus réalistes d’eux-mêmes. Le jeu lui-même, une corvée à travers un ensemble sans surprise et prolongé de renversements dramatiques et d’apogées sentimentales, répond apparemment à la menace d’éternité d’Al G.. Le film est plein de blagues mais presque dépourvu d’humour. (Son échec comique est prouvé par le fait que le meilleur gag est délivré par Yosemite Sam et ses armes.) Bien que « Space Jam: A New Legacy » échoue, lamentablement, en tant qu’objet esthétique et en tant qu’expérience visuelle, il réussit néanmoins d’une manière ou d’une autre. comme une représentation conceptuelle de la terreur d’un studio hollywoodien face à la domination du streaming, de l’industrie cinématographique dans son ensemble qui, comme Warner Bros., est en train d’être engloutie dans un Serververse ou un autre. Un réalisateur d’imagination et d’inspiration Tashlinesque aurait pu faire quelque chose de la prémisse, et le film à un moment donné avait un tel réalisateur qui lui était attaché—Terence Nance, qui a quitté le projet, en 2019, en raison de divergences créatives (mais reste parmi le bataillon des scénaristes crédités).

Ce qui est intéressant dans « Space Jam : A New Legacy », c’est le concept : épargnez-vous les cent quinze minutes et lisez un synopsis, puis réfléchissez aux métaphores. Numériser les gens sur un serveur ne les chasse pas littéralement du monde – pourtant, lorsque la disproportion entre l’image et la réalité est trop grande, lorsque l’image publique domine l’existence privée, cela peut effectivement sembler être le cas. La terreur du cinéma-monde face au Serververse est d’abord celle de la dématérialisation et de la contrefaçon d’images, comme dans les pseudo LeBrons que le studio clonerait et déploierait cinématographiquement. Deuxièmement, c’est dans la spoliation de l’histoire, la manipulation des formes établies de films hérités au moyen de CGI pour une nouvelle génération de consommateurs captifs. Troisièmement, c’est le danger ultime d’une centralisation numérique basée sur un serveur, à savoir le pouvoir de supprimer, de littéralement détruire le passé. (Quand les studios d’autrefois envoyaient des tirages, même en l’absence d’archives centrales, les tirages pouvaient survivre de la manière la plus sacrée – voir le documentaire de Bill Morrison « Dawson City : le temps gelé.”)

Par coïncidence étrange, le thème de « Space Jam: A New Legacy » sur la manipulation prédatrice de ressemblances numérisées a un pendant documentaire dans « Roadrunner: A Film About Anthony Bourdain ». « Roadrunner » est peut-être le documentaire récent le plus discuté, non pas pour son mérite artistique mais à cause d’un peu de ruse numérique tirée par son réalisateur, Morgan Neville. Comme il l’a dit à ma collègue Helen Rosner la semaine dernière, Neville voulait que le film inclue Bourdain parlant trois lignes de texte pour lesquelles aucun enregistrement vocal n’existe, alors Neville « a chargé une société de logiciels de créer une version générée par l’IA de la voix de Bourdain ». Dans sa conversation avec Rosner, Neville a rejeté avec désinvolture toutes les inquiétudes que la révélation de sa supercherie pourrait soulever : « Nous pouvons avoir un panel d’éthique documentaire à ce sujet plus tard. »

Anthony Bourdain dans une scène du documentaire « Roadrunner » de Morgan Neville.Photo avec l’aimable autorisation de CNN / Focus Features

Pourtant, le vrai problème avec « Roadrunner » n’est pas éthique mais esthétique. Le documentaire est un simple produit d’information semblable à une encyclopédie, qui réduit son riche matériel d’archives audiovisuelles et ses entretiens sincères avec des personnes qui ont connu et aimé Bourdain à des extraits de sons et d’images lyophilisés. Il mérite à peine l’attention qu’il reçoit – et le coup audio de Neville, loin de gâcher le film, ne sert qu’une forme effrontée de publicité auto-promotionnelle. Ce que le gimmick affiche, avant tout, c’est la substitution de l’audace à l’audace. Neville utilise des morceaux de voix synthétisés d’une manière mesquine et piquante, comme pour prouver qu’il est au-dessus des scrupules qui empêchent les autres documentaristes d’obtenir les effets qu’ils souhaitent. Pourtant, il ne fait rien de particulièrement imaginatif, original, remarquable ou, d’ailleurs, remarquable avec son jouet vocal Bourdainoid. Si Neville veut fabriquer, laissez-le fabriquer ostensiblement, copieusement et librement plutôt que de glisser dans quelques clips vocaux ornementaux. Avoir un outil si puissant à portée de main et l’utiliser d’une manière si mineure, simplement décorative – ne pas l’utiliser avec une gamme complète et audacieuse de créativité – suggère, d’abord, son manque d’imagination et, deuxièmement, son sentiment que il faisait en effet quelque chose de mal. Cette transgression triviale potentielle permet à Neville de se faire passer pour le mauvais garçon des documentaires, même si son film stéréotypé suit consciencieusement les règles.

« Space Jam : A New Legacy », dans sa métaphore métaphorique concernant les médias numériques, brouille également son propre concept en substituant l’éthique du cinéma numérique à l’esthétique. Le problème avec les films CGI n’est pas la technologie numérique, mais la façon dont elle est utilisée. Par exemple, le déploiement remarquable de la manipulation d’images numériques par Martin Scorsese dans « The Irishman » et son déploiement furtif dans « Le loup de Wall Street » font de lui peut-être le plus grand cinéaste d’effets spéciaux de l’époque. Les miracles numériques de Miranda July dans « The Future » et « Kajillionaire » sont parmi les grandes inspirations des films récents, tout comme les visions générées par ordinateur de Jim Jarmusch dans « The Dead Don’t Die » et de Bruno Dumont dans « Coincoin and the Extra-Humans »—et, d’ailleurs, de Terence Nance, dans la série HBO »Actes aléatoires de vol.  » Le fétichisme du 35 mm. le film et l’animation dessinée à la main suggèrent la triste absence d’originalité avec laquelle la plupart du cinéma numérique moderne corporatisé et infantilisé est fait, et non le manque de possibilités qu’offrent les médias numériques. Si Nance avait réalisé « Space Jam: A New Legacy », il aurait probablement prouvé quelles merveilles artistiques pouvaient être accomplies numériquement – exactement comme l’animation dessinée à la main de Looney Tunes ne reflète aucun mérite inhérent au médium mais l’art révolutionnaire du réalisateurs de la série, dont Tex Avery, Chuck Jones et Tashlin lui-même. Les personnes qui mettent fin à ces artistes à l’ère numérique, et celles qui abusent de leurs propres Serververses et menacent de plonger leurs propriétés héritées dans l’oubli numérique, ne sont pas des ingénieurs rancuniers mais des cadres comme ceux joués par Silverman et Yeun, que « Space Jam: A New Legacy » dépeint comme des victimes innocentes.


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