Avant que Roy Lichtenstein ne devienne pop

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L’une des nombreuses bonnes raisons de voir l’exposition de l’œuvre pré-Pop-art de Roy Lichtenstein, « Roy Lichtenstein : History in the Making, 1948-1960 », qui a vu le jour au Colby College Museum of Art au printemps et vient au Parrish Art Museum, à Water Mill, New York, le 1er août – c’est qu’il nous rappelle quelque chose que nous avons tendance à perdre de vue lorsque nous sommes pris dans l’entreprise critique d’essayer de situer Pop dans une généalogie de l’histoire de l’art, ou pour le déballer comme une critique sociale, c’est-à-dire que le Pop art est drôle. Cela vous fait sourire. Il n’y a pas beaucoup de mouvements artistiques dont on puisse parler.

Une chose inhabituelle à propos du pop art américain est que (contrairement au pop art britannique, par exemple) les grandes figures – Lichtenstein, James Rosenquist, Andy Warhol – n’avaient aucune relation personnelle les unes avec les autres, et ils ont développé leurs styles Pop-art indépendamment. Une autre est qu’ils ont tous fait irruption sur la scène au même moment.

C’était en 1962. En février, à New York, Lichtenstein avait sa première exposition de peintures basées sur des panneaux de bandes dessinées à la Castelli Gallery, et Rosenquist avait sa première exposition personnelle à la Green Gallery. En juillet, à Los Angeles, Warhol a présenté sa première exposition solo de Pop-art, « 32 Campbell’s Soup Cans », à la Ferus Gallery. En septembre, « New Painting of Common Objects », une exposition de groupe comprenant des œuvres de Lichtenstein, Warhol, Ed Ruscha et Wayne Thiebaud, a ouvert ses portes au Pasadena Art Museum.

En octobre, dans le centre de Manhattan, le galeriste Sidney Janis a organisé une extravagance intitulée « Les nouveaux réalistes : une exposition de peintures et de sculptures factuelles de France, d’Angleterre, d’Italie, de Suède et des États-Unis ». Vingt-neuf artistes étaient représentés, dont Lichtenstein, Warhol, Rosenquist, Thiebaud, Claes Oldenburg, Robert Indiana et George Segal. Le spectacle était si énorme que Janis a dû utiliser un deuxième espace pour tout ranger. En décembre, «Un Symposium sur le Pop Art» a eu lieu au Museum of Modern Art – et le Pop art est devenu le nom qui est resté.

Déjà multinational, comme le montre l’exposition de la galerie de Janis, le Pop art s’est rapidement mondialisé. En 1964, l’année où Warhol présenta son exposition Brillo-box à la Stable Gallery, à New York, et Robert Rauschenberg – pas un artiste Pop mais, à bien des égards, assez proche – remporta le Grand Prix de Peinture à la Biennale de Venise, Pop l’art était partout.

Lichtenstein était un accro à la peinture. Il était en studio six heures par jour. Après être devenu célèbre, lui et sa femme ont passé du temps à Captiva, au large des côtes de Floride, mais il n’aimait pas y aller car il ne savait pas quoi faire de lui-même sur une plage. Il a donc produit un très grand nombre d’œuvres. (Il est décédé en 1997.) Pourtant, son nom est synonyme des peintures de bandes dessinées qu’il a réalisées au début des années soixante – la première d’entre elles, « Look Mickey », maintenant à la National Gallery of Art, est datée de 1961 – et, stylistiquement et thématiquement, tous les travaux ultérieurs découlent de ces pièces. « Roy Lichtenstein: History in the Making » est un retour en arrière sur l’échelle de l’évolution, à l’époque avant que l’artiste ne rampe sur terre.

Le pré-Pop Lichtenstein est tout aussi drôle que le Pop Lichtenstein. Son sens de l’ironie est assez profond, mais il est toujours joueur. Il est frappant de constater que, dès le début, son sujet n’était pas des choses ou des personnes mais des représentations de choses ou de personnes. Ce serait une caractéristique clé du Pop art – et c’est pourquoi classer le Pop comme un art d’« objets communs », ou comme « factuel » ou « réaliste », manque la cible. Le sujet du Pop art n’est pas les objets. C’est la publicité, la photographie de magazines et de journaux, l’emballage, l’étiquetage, la signalisation. Les artistes pop représentaient l’environnement graphique dans un monde consumériste.

Pour le Lichtenstein en début de carrière, il s’agissait principalement d’illustrations, de publicités et de reproductions dans des manuels. « C’était faire un commentaire sur le travail graphique d’autres personnes », c’est ainsi qu’il a expliqué ce qu’il faisait, de nombreuses années plus tard, à Calvin Tomkins. Son mode pré-Pop habituel consistait à reproduire l’image originale dans un style d’art moderne, et ses principaux modèles semblent avoir été Pablo Picasso et, surtout, Paul Klee. Il a utilisé la palette de Klee et son style de dessin faux-primitiviste et bidimensionnel : des visages maladroits, des corps bosselés, des formes simplifiées.

Un premier exemple notable est « Washington Crossing the Delaware II », réalisé en 1951, une version (Lichtenstein en a fait deux) du célèbre tableau d’Emanuel Leutze comme s’il avait été redessiné par un élève de première année. (Ce n’est probablement pas une coïncidence si celle de Leutze date de 1851 et que celle de Lichtenstein a été peinte un siècle plus tard. Il semble avoir apprécié ce genre de chose.)

« Washington traversant le Delaware II », à partir de 1951.Oeuvre d’art © Estate of Roy Lichtenstein / Courtesy Roy Lichtenstein Foundation Collection

En fait, la quasi-totalité de l’œuvre pré-pop de Lichtenstein consiste en des interprétations enfantines d’enthousiasmes enfantins : scènes de bataille, dispositifs mécaniques, cow-boys et indiens, chevaliers médiévaux, pilotes, plongeurs sous-marins (probablement inspirés de la couverture de magazine du plongeur Jacques Cousteau). Il y a une brève période d’abstraction pure à la fin de la décennie, bien que ce travail, aussi, semble être un pastiche ou une imitation de la peinture abstraite. En 1958, vous commencez à voir le visage de Mickey Mouse et vous sentez que l’atterrissage est proche.

Ce qui a transformé l’art de Lichtenstein en Pop – son premier Mickey esquissé en Mickey reconnaissable en couleurs primaires – était la même chose qui a transformé celui de Warhol : l’adoption d’un style hard-edge. Lichtenstein s’est débarrassé de la patine picturale qui était presque une condition sine qua non de l’art d’avant-garde depuis les expressionnistes abstraits de la fin des années quarante. Même le « drapeau américain » de Jasper Johns, présenté pour la première fois en 1958, a une patine picturale. Lichtenstein a donné à son dessin un aspect mécanique plutôt qu’à main levée. Le changement stylistique était si frappant qu’au début, le Pop art était parfois appelé l’école du hard-edge.

Dans le cas des images de bandes dessinées, le dispositif transformationnel n’était pas, comme c’était le cas dans le travail pré-pop, de les reproduire dans un idiome d’art moderne. Il les reproduisait selon les éléments de composition des beaux-arts. Lichtenstein ne se contentait pas de copier les originaux – un malentendu courant. Ses images sont toutes dérivées de l’art de la bande dessinée, mais il les a modifiées, unifié leurs éléments, les a rendues formellement plus semblables à des œuvres d’art. « Je prends un cliché et j’essaie d’organiser ses formes pour le rendre monumental », a-t-il expliqué à Vie magazine, en 1964, pour un article intitulé « Is He the Worst Artist in America ? « La différence n’est souvent pas grande, mais elle est cruciale. »

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